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6月5日，“蔡锦个展”于中国美术馆正式拉开序幕，这是蔡锦于2011年在Hadrien De Montferrand画廊举办“蔡锦：纸上作品”个展后的又一次亮相。在本次亮相中，50余件作品依然以“美人蕉”系列为主要展示内容，横跨近20年的时间，在同样的题材中却体现了蔡锦从未停止过的心境变化，属于女人独有的缓慢演变。

蔡锦不属于特别敏感的艺术家，甚至在创作完成后都不能说出指引自己完成创作的思路，“我有时候也是顺着别人的说法来看我的画”。可正因如此，绘画与感觉的结合过程中没有了多余因素的掺杂，自我的体现也更加清晰自然。一种“只可意会、不可言传”的画面感呈现于眼前。
在蔡锦的“美人蕉”系列作品中，除画布上美人蕉的具体形象外，还包括高跟鞋、浴缸等与女性相关的器物装置，其中红色始终是不可或缺的色调，即使“美人蕉”枝干变成灰色、装置主色调是白色，也依然能在画面底色、装置用色或其他地方发现红色的影子。策展人高名潞认为：“恐怖的红色让我们想到了疯狂的红色年代，也可能隐喻某些当下社会和人性问题。”但显然蔡锦或许没有意识到这点，尽管如此，高名潞依然觉得这正衬托了蔡锦艺术语言的魅力所在，极少的言语却为观众留下了更多的想象空间。
对于“美人蕉”的使用，要追溯到1990年的冬天。当时蔡锦为几株干枯的美人蕉拍了照片，尽管有种异样的感觉却没有要画出来的想法。第二年蔡锦又看到这张照片时，美人蕉的形象立刻吸引了她，之后的一切便显得自然而然。对于红色的选择，蔡锦表示这只是无意间的使用，“1992年画了一张特别红的作品，感觉效果不错，就开始用了。”而在颜色的变化上，蔡锦坦然心境的变化的确对其产生了影响，但具体是什么却又表达不出，正如她在1997年的自述中说：“我觉得自己永远有一种表达不清楚的东西，在画笔的每一次触碰中，有着一种出现又没有出现的感觉，它似乎存在但又永远抓不住。”如此贴近自己的感觉，细腻、委婉，却不失共鸣。
除展出“美人蕉”系列外，“人物·肖像”系列的作品也占据了一席之地。与其深究它们的理论内涵，不如相信这是蔡锦对于生活、经历的真实表现。
在艺术创作中能够找到适合自己的“符号化”题材本身就是一个艰苦的过程，但并不能因为这是一个艰苦的过程而忽略“符号”产生之后的进一步发展创新。尽管蔡锦不能用语言捕捉到自己的内心变化，但她始终在默默跟随，美人蕉、甚至艺术创作都可能只是抒发感情的窗口，体现出自身的变化才是艺术的上乘境界。