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5月5日，聚集了程然、陈彧凡＋陈彧君、李青、尚一心，吴俊勇六位艺术家的实验艺术展“物距与光合”在成都那特画廊拉开帷幕。这是那特画廊自2011年7月开馆以来以群展形式展出的第五个展览，青年策展人崔灿灿操刀策划了这次展览。

此次展览参展作品近20件，涉及影像、装置及架上等多种媒介。虽规模不大，但整个展览的布展过程非常讲究，依据作品的特性，六位艺术家的作品被分配到黑、白、灰的三个大小不一的空间进行分别展示，同时整个展厅被遮光布严密包裹。
碰撞出的“物距与光合”
在“物距与光合”的展览主题下，那特画廊呈现出了用两百五十斤黑炭、鱼线、头发、水晶石等一些神秘的材料打造的展览现场。对画廊和策展人来说，这次展览的筹备过程是漫长的，去年十二月份时就已落实的方案，历经五个月展览才得以成型。但值得小骄傲一把的是，这次展览中除几件小的架上绘画之外，其它作品都是为展览特别创作的。
展览主题“物距与光合”颇学术，简单来说就是探讨“物距”间的“光合”作用。物与物之间的距离是如何产生的，艺术家的作品在光和时间的作用下又会呈现出怎样的变化。自然，展览现场灯光对作品的“关照”是不能避免的。
若就这一展览主题问艺术家或许不太礼貌，惯常地我们会遭遇“这应该问策展人”这一类的回答，但这次的展览是画廊和策展人共同挑选艺术家后，策展人和艺术家们多次沟通碰撞的结果。每个艺术家都会有一个自己的理解，然后在和策展人达成共识的基础上完成创作。
光色调和下的差异共生
在被分割和进行了视觉改造的空间里，六位艺术家的作品在光和色打造的视觉和文本结构中呈现出了另一种情趣。最大的黑色空间里主要展出了陈彧凡＋陈彧君、程然、吴俊勇的作品，相对要小的白色空间和灰色空间则分别是尚一心和李青的作品。
展厅的入口处呈现的则是由陈彧凡＋陈彧君联合制作《木兰溪》，这件作品印证了艺术家和材料沟通的过程，也传达出了他们共同的童年生活史和视觉沟通；展厅内部另有陈彧凡单独创作的架上绘画和一件视觉感强烈的名为《山水》的装置，陈彧凡的作品总被人视为沉寂、充斥着玄学气氛的中国抽象艺术带来了些许生气。他对作品被置于黑色空间感到满意，觉得这样的视觉作用下能更好地体现作品。
在《山水》一旁的黑色宽幅墙面上，贴着“植物自有方向”、“怪兽是我们自己创造出来的”、“ 时间消化一切”的口号和标语，吴俊勇动画作品《时间的胃》，就在这些标语中循环播放。虽然作品充满隐喻，但观者还是能体会到艺术家的无比忧伤——那是对人类的狂妄和粗暴，特别是对环境的粗暴表现出的无比忧伤。

而程然作品《眼泪》是一件为缅怀已故英国设计师Alexander McQueen而创作的录像短片。在维瓦尔第音乐和拍案的涛声层层交叠之间，作品由冗长缓慢的长镜头展开，类似卢契诺·维斯康提《魂断威尼斯》的逼视笼罩于几近赤裸立于石滩的男孩身上，而最终作品终止于男孩面庞缀满的假的眼泪——这些眼泪挪用自曼雷1930年代的黑白摄影作品《眼泪》。
在白色空间中，两端被固定在墙上的四根弧形铁条，紧绷的状态在光的投射下，显现出了某种错觉般的阴影。这是尚一心为这次展览特别制作的装置《似是而非》，展厅另有两件和这件装置很相近的绘画《跑调》、《弯》，他的作品看起来是一个图案，似乎又正在映射着另一种图案。
灰色空间里展示着李青的架上、装置、照片资料、影像、雕塑等各种作品，这些都是艺术家运用自如、交替玩转的游戏工具。这一次，李青用了最直观的关于体表、皮毛和服饰，关于外表和脸等元素，来体现进化与异化是潜藏于其中的冲突所在——比如《自然史橱窗》就用铺满“地面”的人的头发来象征人类总想留下足迹的可笑愿望。“顽童”李青坦言，“灰色盒子”同时也是接下来香港和澳门个展的一个小“预演”，在“物距和光合”布展和展览过程中已经给了他无限灵感！
虽然几位艺术家都是国美出身，创作风格、作品媒材却是迥异的。“我不希望展览有过多的共同点，过多共同点则意味着个体作为主题被消失，放到一起做展览只是因为他们在关注共同的问题。”崔灿灿说道。
实验场，展览是一个过程
再回到展览入口处的那件作品《木兰溪》。事实上，这件作品可以算作陈氏兄弟去年的个展的一种延续或者说切片，原作在展出之时就被希克收藏了。当策展人和画廊找到他们要求再做一次时，一开始他们打算要直接复制，但是考虑到作品已经被收藏，最终这次展览只呈现其中的一部分，但却让艺术家找到了新的体验——“对我来说，这件作品再次呈现，是为了呈现一个过程。”陈彧凡说道。既然目的已达到，他们决议这次展览之后，要销毁掉这件作品。
对策展人崔灿灿来说，这次展览似乎也有着同样的意味。“我认为这次展览，它不是给我们一个意义，或者说一个道理。它就是一种实验，一种关于展场的实验，我更愿意把这次展览定义为关于策展、布展人以及艺术家三者之间的实验。”